Эпоха Романтизма начала XIX века

В начале XIX века все виды искусства, в том числе и балет, оказались под мощным влиянием романтизма, как художественного течения. Возродился интерес к фольклору и фантазии. Ярким проявлением романтизма в балете стали спектакли «Сильфида» и «Жизель». Примерно тогда же балерины начали танцевать на кончиках пальцев — встали на пуанты. Не имея балетных туфель с жестким носком, как у нынешних танцовщиц, они держались на пуантах лишь какую-то долю секунды.

Одной из первых начала танцевать на пуантах итальянская балерина Мария Тальони, отец которой поставил для нее в 1832 году «Сильфиду» на сцене Парижской оперы. В 1836 г. Огюст Бурнонвиль поставил в Копенгагене свою «Сильфиду» по воспоминаниям от спектакля с участием Тальони. Он создал для танцовщиков особенный, легкий и воздушный, стиль, который по сей день отличает мастеров датского Королевского балета.
Героиня другого романтического балета, юная крестьянка, лишается разума и умирает, узнав, что ее возлюбленный, дворянин Альберт, не сможет на ней жениться. После смерти она превращается в призрак и спасает Альберта от смерти. Премьера «Жизели» состоялась в 1841 г. на сцене Парижской оперы с Карлоттой Гризи в заглавной партии.

Теперь идеальная балерина в своих туфлях, казалось, едва касалась поверхности сцены и ее бесплотный дух словно не знал, что такое земля. В это время восходящие звезды женского танца полностью затмили присутствие бедных мужчин-танцоров, которых во множестве случаев окрестили просто двигающимися статуями, существующими только для того, чтобы балерины на них опирались. Эту ситуацию в начале двадцатого столетия немного подправило восхождение звезды Нижинского из Русского Балета. К этому времени уже развились традиционные для нас балетные костюмы, хореография, декорации, бутафория, словом, все стало почти таким, как есть сейчас. В конце концов, именно русский балет начал революцию в балетном искусстве.

Развитие балета при Людовике XIV

7 июня 1654 короновали нового монарха Франции — Людовика XIV. При нем балеты давались часто и обставлялись с невиданной пышностью. Примерно тогда же появилось разделение танцовщиков на любителей и профессионалов. В 1661 году Людовик учредил Королевскую академию танца «в целях совершенствования сего искусства», а спустя 10 лет — Королевскую академию музыки. Так был заложен фундамент будущей Парижской оперы.


Именно в Парижской опере в 1681 году впервые появились профессиональные танцовщицы. Спустя 32 года при театре открылась балетная школа, чтобы обеспечить постоянный приток молодых танцовщиков в ставшие особо популярными оперы-балеты. Для многих балет стал профессией. Тогда же были заложены основы балетной техники и появились первые знаменитости. К их числу принадлежат балерины Мари-Анн де Камарго и Мари Салль, а также танцовщик Луи Дюпре.
Сам Людовик XIV с 12-летнего возраста танцевал в так называемых «балетах театра Пале-Рояль». Эти мероприятия были вполне в духе времени, ибо проводились во время карнавала. Карнавал эпохи барокко — это не просто праздник, это — перевёрнутый мир. Король на несколько часов мог превратиться в шута (как и шут вполне мог себе позволить предстать в роли короля). В этих балетах юному Людовику довелось сыграть роли Восходящего солнца (1653) и Аполлона — Солнечного бога (1654).
Существует и другое культурное событие эпохи барокко — так называемая «Карусель». Это празднично-карнавальная кавалькада, нечто среднее между спортивным праздником и маскарадом. В те времена «Карусель» называли просто «конным балетом». На «Карусели» Людовик XIV предстал перед народом в роли римского императора с огромным щитом в форме Солнца. Это символизировало то, что Солнце защищает короля и вместе с ним и всю Францию. Отсюда и произошло прозвище Людовика — Король-Солнце.

К концу XVI века придворный балет достиг расцвета: он полностью финансировался французской монархией, которая использовала его для превозношения собственного величия. Балеты стали частью роскошных, огромных праздничных феерий, которые продолжались несколько дней кряду и включали в себя все виды развлечений.
В те времена танцевальная карьера начиналась с ранних лет и завершалась гораздо позже, чем сейчас. Балет и в малой доле не требовал такой отдачи сил, как в наши дни, а чтобы скрыть от публики свои стареющие лица, танцовщики выступали в масках. Долгое время техника и стиль танца оставались неизменными — до той поры, когда в практику начали внедряться идеи французского танцовщика и хореографа Жана-Жоржа Новерра. Он нарядил актеров в легкие, не стеснявшие движений костюмы, запретил надевать маски и требовал от них не только танцевального, но и драматического мастерства.
В 1789 г. многое из того, что проповедовал Новерр, нашло воплощение в балете Жана Доберваля «Тщетная предосторожность». Никаких речей, никаких сказок о похождениях богов и богинь, никаких масок, пения и корсетов. Зритель увидел незатейливую историю о полюбившей красивого молодого крестьянина деревенской девушке, которую мать хотела выдать за богатого, но глупого сынка местного помещика. Танец обрел свободу и естественность движений.

Балет..Балет?..Балет!!!

Средневековье.

Как бы удивительно это не звучало, но прототипом современного балета являлся образ смерти. Дело в том, что для эпохи Средневековья было характерно острое чувство страха перед концом земной жизни. Изображения смерти, как и дьявола, постоянно встречаются в средневековой символике. Образ танцующей смерти возник уже в глубокой древности, она появляется также в танцах многих первобытных обществ. Но именно в эпоху Средневековья образ смерти превращается в символ потрясающей силы. «Танец смерти» (danse macabre), особенно широко распространился в Европе в XIV в., в периоды эпидемии чумы. В социальном смысле этот танец, сродни смерти, уравнивал представителей разных сословий.
Сам балет, как вид сценического искусства, возник во времена эпохи Возрождения. Но вряд ли мастера танца, развлекавшие государей роскошными представлениями, могли предположить, что сеют семена искусства, которым в грядущие века будут наслаждаться миллионы людей во всем мире.
Первородные формы современного балета появились в конце XV века в Италии, где владетельные князья нанимали профессионалов для постановки пышных зрелищ, чтобы произвести впечатление на знатных гостей. Помимо элементов драмы, эти представления включали величавые танцы, шествия в исполнении придворных дам и кавалеров.
Мастерство ранних итальянских учителей танцев произвело впечатление на знатных французов, которые сопровождали армию Карла VIII, когда в 1494 году он вступил в Италию, предъявив свои претензии на трон неаполитанского королевства. Став супругой французского короля, итальянка Екатерина Медичи привезла во Францию и моду на диковинные придворные балеты. В результате итальянские танцмейстеры стали приглашаться ко французскому двору.
Они не только обучали балету, но и являлись основоположниками моды в области этикета и манер и оказывали огромное влияние на атмосферу при дворе. Итальянец Бальдасарино ди Бельджойозо (во Франции его называли Бальтазар де Божуайe) ставил придворные представления, наиболее известное из которых носило название «Комедийный балет королевы» и обычно считается первым в истории музыкального театра балетным спектаклем.

Маскарады, постановки балета и карнавальные шествия устраивались в дворянских домах и по мере их усложнения превратились в дорогостоящие празднества. Больше всего в эпоху Ренессанса увлекались маскарадами. Люди, желавшие сохранить свое инкогнито, путешествовали в масках; представители враждующих знатных семейств также скрывали свои лица под масками.

Словарь терминов

акт -театральное действие,часть спектакля

антракт -краткий перерыв между действиями спектакля

апладисменты -форма вырожения благодарности артистам,авторам и другим составителям спектакля

драма -действие с серьезным сюжетом,но без трагического исхода

комедия -спектакль с весёлым,смешным сюжетом

трагедия -напряженное действие с не разрешимыми проблемами.оканчивается гибелью одного из героев.

звонок -их в театре быват 3.первый предупреждает о скором начале спектакля.второй говорит о том,что уже надо сидеть на своих местах.третий дают с началом представления.

партер -нижний этаж зрительного зала с местами для зрителей.

фойе -зал в театре для прибывания зрителей перед началом спектакля или во время антракта.

Знаменитые театры мира

Построение здания музыкального театра

Помещения зданий театров подразделяются на:

• группа входных помещений

К этой группе относятся вестибюль, гардеробная, кабинет главного администратора, кладовая афиш, комнаты обслуживающего персонала.
Вестибюль - проходное помещение при парадном входе в здание театра; здесь так же можно приобрести билеты в кабинах касс.
Гардероб – (от фр. garde-robe – хранение платья) помещение в общественном здании, предназначенное для хранения одежды посетителей, комната для переодевания.

• группа рекреационных помещений

К этой группе относятся фойе, кулуары, буфет, курительная, экспозиционное помещение музея.
Фойе – (от фр. foyer – очаг) помещение, расположенное рядом с залом и служащее для пребывания зрителей во время антракта или для отдыха артистов (артистическое фойе).
Кулуар –(от фр. сouloir – коридор) помещение, прилегающее к фойе и залам.
Экспозиционное помещение музея используется для показа истории театра и творческого лица коллектива.

• группа санитарно-гигиенических помещений

• зрительный зал

Вместимость зрительного зала в зависимости от назначения театра рекомендуется принимать, мест:
1. в драматическом театре 500—800
2. в музыкально-драматическом театре 500—1000
3. в театре музыкальной комедии 800—1200
4. в театре оперы и балета 1200—1500

Зрительный зал состоит из партера, балкона, оркестровая ямы, амфитеатра, лож бельэтажа и бенуара.
Партер - (от фр. terre– земля) нижний этаж зрительного зала с местами для публики на пространстве от сцены или от оркестра до противоположной стены или до амфитеатра.
Балкон - места для публики, расположенные в несколько рядов в различных ярусах зрительного зала против сцены. В некоторых театрах балконы расположены также по боковым сторонам зала.
Оркестровая яма - углубление между зрительным залом и сценой, в котором размещается оркестр в музыкальных и драматических театрах.
Амфитеатр - (от греч. аmphi - вокруг + theatron – зрелище) места в зрительном зале, расположенные поднимающимися уступами за партером.
Бенуар – (от фр. baignoire – ванна) нижний ярус театральных лож, расположенный по обеим сторонам партера на уровне сцены или несколько ниже.
Бельэтаж (от фр. bel - прекрасный + etage - возвышение) - ярус театральных лож выше бенуара и амфитеатра. Ложи бельэтажа присутствуют только в театрах, которые были построены во времена абсолютизма, так как эти ложи были предназначены только для монархов.

• помещения технологического обеспечения сцены

К ним относятся осветительные боковые ложи, помещение выносного софита, светопроекционная, светоаппаратная, ложа звукооператора. Вход в подобные помещения открыт только для технических служащих театра.

• сцена

Сцена в свою очередь разделяется на боковые карманы, арьерсцену, авансцену и нижнюю сцену.
Боковой карман сцены - помещение для динамичной смены декораций с помощью накатных площадок (фурок). Боковые карманы располагаются с двух сторон сцены на уровне планшета за пределами боковых стен основной коробки сцены. Размеры кармана позволяют полностью уместить на фурке декорацию, занимающую всю игровую площадку сцены. Обычно к боковым карманам примыкают декорационные склады.
Авансцена – (от фр. аvant - перед) открытая передняя часть сцены, несколько выдвинутая в зрительный зал.
Арьерсцена – ( от фр. аrriere – сзади) пространство позади основной сценической площадки, является продолжением основной сцены, используется для создания иллюзии большой глубины пространства и служит резервным помещением для установки декораций, которые создают иллюзию пространства большой глубины.
Нижняя сцена - часть сценической коробки ниже планшета, где расположены сценические механизмы, суфлерская и светорегуляторная будки, подъемно-опускные устройства, приспособления для сценических эффектов.

• склады

Существует три вида складов - дежурные, текущего, сезона, резервные.

Дежурные склады – помещения, где предметы оформления хранятся в состоянии готовности к подаче на сцену.
Склады текущего сезона – помещения, , в которых содержится оформление всего репертуара данного театрального сезона раздельно по спектаклям.
Резервные склады - помещения, где складируется имущество редко идущих или снятых с репертуара спектаклей для повторного использования.

• артистические уборные

Гримёрные – специальные комнаты для артистов, где они гримируются и готовятся к выходу на сцену.

• репетиционные помещения

Репетиционные помещения – специально оборудованные студии для ежедневных тренировочных занятий, разминки перед спектаклем и самостоятельных работ артистов; имеется возможность постановки и показа экспериментальных и камерных спектаклей для сравнительно узкого круга зрителей

• помещения для административного и художественного руководства и технического персонала

• производственные помещения

Особенность театрального производства заключается в том, что при изготовлении многие предметы приходят через несколько производственных помещений (художественно-производственных мастерских). При этом каждая мастерская выполняет свою технологическую функцию - изготовляет определенные элементы оформления.

Использованные материалы: http://www.glossary.ru/index.htm - Термины и определения

www.glossary.ru/index.html - Проектирование театров

http://images.yandex.ru/ - Картинки

С чего начинается театр?

"Ну-скажете Вы, -кто же этого не знает?! Конечно же с вешалки!"
Но..может всетаки есть то, что необходимо знать и чем необходимо обладать каждому воспитанному человеку- культурой поведения!
Какие же свои правила есть у театра?! Какими терминами мы владеем при высказывании наших эмоций, находясь в театре, в зрительном зале?!